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Anthony Minghella, director de 'El paciente inglés'
El cineasta falleció a causa de una hemorragia

MIGUEL ÁNGEL PALOMO 19/03/2008

El guionista y cineasta británico Anthony Minghella, autor de una breve pero deslumbrante obra cinematográfica y galardonado en 1997 con un Oscar por su filme El paciente inglés, falleció ayer a los 54 años en el hospital Charing Cross de Londres. Su muerte se debió a una fatal hemorragia desencadenada tras una operación a la que se sometió para tratarse un cáncer de amígdalas.

Su inesperada muerte ha convulsionado a la cultura británica, que lo veneraba tanto por su talento artístico como por su labor como presidente del British Film Institute, cargo que ocupó desde el año 2003 hasta este mismo mes.

Minghella, nacido el 6 de enero de 1954 en la Isla de Wight, vivió pronto su pasión por la escritura; siempre dijo ser un guionista que había llegado accidentalmente a director. Se graduó en literatura inglesa y teatro en la Universidad de Hull, donde conocería a su esposa, la coreógrafa Carolyn Choa, con quien tuvo dos hijos, uno de los cuales, Max, es el actor protagonista de la próxima película de Alejandro Amenábar.

Minghella comenzó escribiendo guiones para radio y televisión, además de estrenar sus propias obras de teatro, como Whale music, en 1981, y Made in Bangkok, en 1986, premiada por el Círculo de Críticos Teatrales. Minghella no llegaría al mundo del cine hasta 1991, cuando decidió dirigir sus propios textos. Su debut, Truly, Madly, Deeply, un curioso drama fantástico, fue amparado por el Premio Bafta al mejor guión. El primer filme hollywoodiense llegó tres años después: la regocijante comedia Un marido para mi mujer.

El punto de inflexión de la carrera de Minghella llega en 1996, con el éxito mundial de El paciente inglés, una obra en la que pocos creían, que sufrió fuertes problemas de financiación y que descubrió a un director dueño de una poética personal, que afloraba en una superproducción en la que las secuencias espectaculares sucumbían ante el deslumbrante romanticismo que el autor volcaba en sus personajes. Un director de aromas clásicos que miraba el melodrama con ojos nuevos. Minghella quedó encumbrado por Hollywood, que premió el filme con nueve oscars, entre ellos el de mejor película y mejor director.

Lejos de deslumbrarse por los fastos de las estatuillas, esperó tres años para abordar otro proyecto: una revisión del personaje creado por Patricia Highsmith en El talento de Mr. Ripley, un remake febril y abrasivo del clásico A pleno sol, filmado por René Clément en 1960. Más tarde llegarían Cold Mountain, en 2003, y Breaking and entering, en 2006.

Nombrado Comandante del Imperio Británico en 2001, Minghella tenía recién terminada su última obra, The Nº 1 Ladies detective Agency, un episodio piloto para la BBC rodado en Botsuana. También dirigió recientemente la ópera Madame Butterfly, presentada en el emblemático Coliseo de Londres.

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

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Paul Scofield, leyenda británica del cine y el teatro
Fue Oscar al mejor actor por 'Un hombre para la eternidad'
MIGUEL ÁNGEL PALOMO 21/03/2008

Ha muerto el actor británico Paul Scofield. En tiempos en que la vacuidad de las estrellas come terreno a la verdad de los intérpretes, el fallecimiento de Scofield hace que la palabra actor recupere su auténtico sentido. Siempre fue un monumento a la profesión. Interpretó decenas de obras de teatro y poco más de 30 películas: en todas ellas sentó cátedra.

Aquejado de leucemia, murió el miércoles en un hospital próximo a su casa del condado de Sussex, a los 86 años.

Scofield nació el 21 de enero de 1922 y su vocación despertó pronto: mientras asistía al instituto ya se curtía como intérprete en el Croydon Repertory Theatre School en 1939 y en el Mask Theatre School de Londres en 1940. En 1946 se estableció en Stratford-upon-Avon. La tierra de Shakespeare vería crecer a uno de los más grandes actores del planeta.

Su trabajo en clásicos como Trabajos de amor perdidos y Enrique V propició pronto la comparación con Laurence Olivier. Scofield incendiaba las tablas con su prodigiosa voz, profunda, cavernosa, exultante de matices. Trabajó a las órdenes de otra leyenda, Peter Brook, para quien interpretó Hamlet en 1955; también la adaptación de la obra de Graham Greene El poder y la gloria, en la que se midió con otro mito británico, John Gielgud.

Siempre se consideraría, en esencia, un actor de teatro. Incluso su mayor éxito cinematográfico, Un hombre para la eternidad (1966), de Fred Zinnemann, que le valió el Globo de Oro y el Oscar de Hollywood, nació de una producción teatral que interpretó en 1961 y con la que obtuvo un premio Tony. Scofield encarnaba a Tomás Moro, ejecutado en 1535 tras enfrentarse con Enrique VIII.

En sus apariciones en la gran pantalla siempre apostaría por películas diferentes y arriesgadas. Debutó en 1955, con La princesa de Éboli, en la que se convirtió nada menos que en el rey de España Felipe II. Hasta 1958 no llegaría su segundo filme, Agente secreto SZ, y habría que esperar hasta 1964 para que interpretase el tercero, El tren, una obra memorable en la que devoraba la pantalla interpretando a un oficial nazi encargado del saqueo de los tesoros culturales franceses en la II Guerra Mundial.

Antes, había retornado a Shakespeare, de nuevo con Peter Brook, para interpretar en 1962 una adaptación de El rey Lear (10 años más tarde, director y actor se reunirían de nuevo para convertirla en película).

Siempre recordarán a Scofield quienes lo vieran en las salas del teatro; quienes lo vieran en el Volpone de Peter Hall para el Royal National Theatre en 1997 o en la adaptación de Amadeus de Peter Shaffer. Pero los aficionados al cine jamás olvidarán al Tobias de A delicate balance (1973), según la obra de Edward Albee; al rey de Francia de Enrique V (1989); al aristócrata Mark van Doren de El dilema y al arrebatador juez Danforth de El crisol (1996). Paul Scofield, un actor de raza. De los de antes.

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

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Fallece el actor Richard Widmark, el psicópata de 'El beso de la muerte'
El intérprete estadounidense participó en clásicos como 'El Alamo', 'Asesinato en el Orient Express' o 'Noche en la ciudad'
AGENCIAS - Los Ángeles - 26/03/2008

El actor estadounidense Richard Widmark, famoso por su actuación en El beso de la muerte (1947), donde encarnaba a un psicópata, ha muerto a los 93 años tras una larga enfermedad, según informan medios americanos. El actor ha participado en muchos de los clásicos de Hollywood, como El Alamo, Asesinato en el Orient Express, ¿Vencedores o vencidos? o Noche en la ciudad.

Widmark, que debutó en el cine en 1947 con El beso de la muerte, cinta por la que logró el Globo de Oro y su única candidatura al Oscar -como mejor actor secundario-, actuó en más de 70 películas a lo largo de más de cuatro décadas. Ese papel, el del asesino Tommy Udo, que además fue su debut, lo convirtió en todo un icono del cine.

"El sadismo de ese personaje, la risa inquietante (...) convirteron a Widmark en la persona má terrorífica de la gran pantalla", escribió el crítico David Thompson en The Biographical Dictionary of Film. "¡Esa maldita risa mía!", dijo el actor en 1961. "Durante los dos años siguientes a la película, no me permitieron ni sonreír. El personaje era una bestia ridícula". En el filme, el personaje de Widmark ataba a una anciana en su silla de ruedas con el cable de una lámpara y la empujaba a la muerte tras tirarla por unas escaleras.

Durante la década de 1950 se caracterizó por sus papeles en westerns, cintas bélicas y de suspense, aunque fue a partir de los 60 cuando su popularidad creció gracias a papeles en El Alamo, de John Wayne, y ¿Vencedores o vencidos?, de Stanley Kramer. Más tarde apareció en Asesinato en el Orient Express, de Sidney Lumet, y volvería a trabajar con Kramer en Del presidio a primera página.

Su último trabajo en la gran pantalla fue True colors, en 1991, junto a John Cusack.

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

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Jules Dassin, director de cine
Estadounidense afincado en Francia, realizó filmes personales y comerciales

OCTAVI MARTÍ 01/04/2008

Jules Dassin falleció ayer en Atenas, en una clínica privada. Tenía 96 años y llevaba tiempo alejado del cine. Dassin había nacido en EE UU, en Middletown, y se había formado teatralmente en Europa. De regreso a EE UU trabaja como actor en el teatro judío y como director de emisiones de radio de éxito. En 1940, la RKO le permite trabajar como ayudante de Alfred Hitchcock.

Su primera película, en 1941, es una adaptación de El corazón delator, de Edgar Allan Poe que obtuvo un gran éxito. Eso le abre la puerta a la Metro, donde realiza cinco largometrajes de encargo y de tonalidad distinta: comedia, cine de espionaje, policiaco o fantástico. Durante esos años rueda también cortometrajes de promoción de músicos célebres, entre ellos Pablo Casals, y establece una buena amistad con alemanes que han huido del nazismo, entre ellos Thomas Mann y Bertold Brecht.

En 1947 entra en relación con el productor Mark Hellinger y Dassin pasa a poder realizar obras más personales. Es el momento de sus grandes películas "negras", con una acertada mezcla de documental y ficción. Brute force y La ciudad desnuda, ambas de 1947, son obras maestras a pesar de que la censura les quitó algo de su fuerza. Mercado de ladrones, de 1949, es otro acierto y una sorpresa, pues aborda un tema social -el papel de los intermediarios en el comercio de la fruta- y lo hace en clave de encuesta apasionada.

En 1950 Dassin rueda en Londres la excelente Noche en la ciudad y descubre al mismo tiempo que no puede regresar a Estados Unidos porque sus antiguos amigos -entre ellos el cineasta Edward Dmytryk- le han denunciado como miembro del partido comunista ante el comité de actividades antiamericanas.

Dassin decide instalarse en Europa y elige como nueva patria Francia, donde el brazo paranoico del senador McCarthy no puede impedirle rodar Rififi (1955), con un estupendo Jean Servais como protagonista y una ejemplar secuencia de robo perfecto. En Europa puede abordar proyectos que difícilmente habrían seducido en Hollywood -El que debe morir (1957) a partir de la novela de Kazantzakis; La ley (1958), basada en la obra homónima de Roger Vailland, o Nunca en domingo (1960), que transforma a Melina Mercuri en estrella internacional- y obtiene grandes éxitos comerciales, como Topkapi (1964), o de prestigio, Fedra (1962). Aunque seguirá rodando hasta entrados los ochenta, la inspiración ya no está ahí. La lucha política de su esposa -la mencionada actriz griega Melina Mercuri- le interesa más y, durante los últimos años, ya como ciudadano griego, se ocupó sobre todo de la reivindicación relativa a la devolución, por parte del British Museum, de los frisos del Partenón.

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

sete Escribió: [Ver Mensaje]

que buen rollo es este topic.... un paseo entre los muertos....

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Que el Cielo exista aunque nuestro lugar sea el Infierno. (Jorge Luis Borges)

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